DANÇAS

O homem primitivo já dançava e registrava isso pictoricamente. Teorias sugerem que sua dança tinha um objetivo ritualístico místico-religioso, ao simular a caça para a tornar magicamente exitosa quando executada na realidade. Sobretudo os homens eram quem dançavam, ou seja, é provável que a dança seja uma prática originalmente masculina.

A dança, na Antiguidade clássica grega, apareceu em um sentido religioso e profano, em culto aos deuses, sendo difundida para o povo com caráter inclusive educativo e de lazer. Na Idade Média, a Igreja Católica passou a coibir a dança e cercear muitas práticas corporais. Em meio a isso, houve uma resistência por parte dos artistas de rua e uma apropriação das danças populares pelos nobres das cortes, com “refinamento” dos gestos. Em conformidade, Assis e Saraiva (2013) apontam que “(...) a dança ocidental, no período que data da Idade Média, séculos V a XV, até chegar aos palcos dos teatros, passou por um caminho que compreendeu basicamente os rituais religiosos, as encenações nas praças públicas, as festas populares e os salões da corte” (p. 306).

No período entre o Renascimento e a Modernidade, ocorreu uma sistematização da dança, tornando a técnica mais enrijecida, e uma institucionalização da mesma, negando as práticas populares, mas reconfigurando-as e elitizando-as. A partir do século XVI, na Itália, foi inventado então o Balé, que passou dos salões das cortes para os palcos como uma arte de elite. Essa dança tinha acompanhamento musical, figurino e cenário eram luxuosos, porém os bailarinos não tinham formação profissional e ainda não havia a preocupação com virtuosismo da técnica. Nesse início, somente os homens dançavam – o que se confronta com a estereótipo preconceituoso atual de que homens que dançam Balé clássico são homossexuais, uma vez que a dança é associada ao feminino.

UMA HISTÓRIA DA DANÇA (PARTE 2)

Aula: 23.06.2017

Entre os séculos XVIII e XIX, durante o período da Revolução Francesa e da Revolução Industrial, a dança passou a ter baixa remuneração e, por isso, a ser menos atrativa aos homens. Foi quando houve a ascensão do elemento feminino no cenário da dança. “No entanto, a questão da prostituição era latente, e as ‘garotas de balé’ tinham conotação negativa até meados do século XX. Bailarinas eram uma fonte de excitação, e por vezes, satisfação sexual“ (ASSIS; SARAIVA, 2013, p. 307). Neste período, havia tanto preconceito contra os bailarinos pela visão de libertinagem que a sociedade e a Igreja associavam a eles, que a igreja se negava a realizar seus funerais. Porém, a técnica dessa dança não parou de evoluir. A figura da mulher bailarina passou a ser romantizada nos palcos e a receber destaque, alcançando o status de etérea, inacessível e pura, o que era reforçado pela sua vestimenta branca, pela técnica, “ponta”, estética, etc. Embora o papel das bailarinas no palco se sobrepusesse ao dos bailarinos, elas ainda recebiam menores salários e os cargos altos, como os de coreógrafos, professores, produtores e diretores, eram reservados aos homens.

Como a dança é uma expressão da cultura, está sempre em transformação e ressignificação. Na passagem dos séculos XIX e XX, algumas bailarinas desenvolveram outras formas de dançar, ampliando as possibilidades técnicas, estéticas e de vestimenta: inventaram a Dança Moderna. Era uma dança com diálogo de manifestação, em contestação aos formalismos e rigidez do Balé, e com expressão de sentimentos. O corpo não estava mais tão rígido, o corpo todo dançava e se movimentava. O tronco era o centro dos movimentos, pois acreditava-se que dele se originavam a respiração e o impulso da dança. No mesmo período, surgiu a Dança Expressionista alemã, que utilizava uma visão crítica dos acontecimentos cotidianos.

Com essa ampliação de possibilidades de dançar, foi desenvolvida a Dança Contemporânea, incorporando uma diversidade de formas, contextos, experiências corporais e influências (outras práticas corporais, outras linguagens artísticas, outros ritmos, etc.). Tal dança quis romper completamente com os padrões, mas sem deixar de construir técnicas.

UMA OUTRA HISTÓRIA DA DANÇA EM RECORTE (PARTE 1)

Aula: 23.06.2017

Não se pode restringir a história da dança somente à uma perspectiva (em especial a europeia ocidental), uma vez que existem diversas culturas no mundo. Se a dança é manifestação cultural, existem outras histórias também que, muitas vezes, são deslegitimadas e não contadas, principalmente em meios acadêmicos, eruditos.

A Dança do Candomblé é um exemplo disso. Consiste em uma dança religiosa brasileira de matriz africana, uma forma de ritualização em terreiros. A sequência de entrada (o xiré) tem um significado, os passos, os gestos e o ritmo da música são associados a cada orixá. Existe um rigor religioso no Candomblé, associando o erro na dança com o desrespeito aos orixás. Quando tal dança é praticada em cortejos de rua, denominados de Afoxé, não existe o xiré.

O Maracatu, por sua vez, é uma dança de matrizes africana, indígena e portuguesa. Existem dois tipos de Maracatu. O Nação ou de Baque Virado é realizado em cortejo, com sua corte real abrindo o caminho pelas ruas. A corte do Maracatu tem vestimentas que remetem à corte portuguesa, mas ao mesmo tempo sua composição faz referência aos reinados do Congo. Essa dança exibe personagens, como se contasse uma história: rainha, rei, dama do paço (calunga), vassalo, príncipes, baianas, porta-estandarte, batuqueiros e dançarinos. Já o Maracatu Rural ou de Baque Solto tem outro ritmo, outras vestimentas, instrumentos, originalmente não era dançado em cortejos, mas sim em terreiros ao som da banca (o local da roda onde se sentavam os músicos para tocar). Alguns de seus personagens dançarinos com encenação dramática são: caboclo de lança, caboclo de pena, Catirina, Mateus, Catita, burra, caçador, mestre do apito (que comanda a música e as entradas), etc. A dança do Maracatu, como algumas outras danças regionais brasileiras, explora um eixo corporal diferente das danças europeias clássicas: busca o contato com chão, o corpo curvo, pesado. Pois o corpo ereto longilíneo não estava muito presente na cultura de seus criadores, que eram homens da zona da mata norte de Pernambuco, cortadores de cana-de-açúcar, que andavam muito descalças em chão de terra. Seus movimentos cotidianos viraram arte ao passaram a ser dançados. E seus personagens, quando fazem a encenação das suas identidades culturais e das mazelas que vivem na vida dura de trabalho e pobreza, é um sinal de crítica social importante, de busca por empoderamento da voz das classes populares.

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O Frevo Passo surgiu também em Pernambuco, provavelmente nos encontros entre as bandas marciais no Carnaval do Recife, cujos cortejos eram abertos por capoeiristas que brigavam com as bandas rivais. Mais tarde, os embates passaram a acontecer com guarda-chuvas, já que a polícia prendia quem andasse armado com pedaços de pau na rua. Isso fazia o Carnaval “frever” – expressão popular esta que nomeou o estilo. O Frevo é o estilo musical e o Frevo Passo sua dança. Seus gestos são rápidos e simbolizam cortes, chutes, socos e ginga da capoeira, justamente porque ainda hoje os dançarinos precisam abrir espaço na multidão. Tal dança busca também um eixo corporal mais alto, explorando saltos e movimentos quase acrobáticos. As roupas são coloridas, das cores da bandeira do Estado, assim como suas sombrinhas (guarda-chuvas que tomaram artisticamente tamanhos reduzidos).